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Martes, 20 Febrero 2024 20:00

EUROPEAN FILM MARKET 2024: Segunda parte. Destacados de las sesiones de industria

EFMIndustrySessions2024Parte1InteriorEl European Film Market de la Berlinale tiene lugar del 15 al 21 de febrero de 2024. Durante estos días, Oficina MEDIA España ha asistido a las diferentes sesiones de industria que se han realizado para profesionales del cine y del audiovisual.

A continuación, os presentamos la segunda parte de un informe de destacados, a modo de resumen, de muchos de los eventos y actividades que se han celebrado.

Friend or Foe: AI and Equity

Sábado 17 de febrero de 10.00h a 11.00h

Participaron en este encuentro: Amir Baradaran (Fundador y CEO de ABXR Engine), Liz Jung Kim (COO y cofundadora de Stereotype Project) y Gian Franco Wilson (Presidente y cofundador de Stereotype Project).

El evento fue moderado por Amelia Winger-Bearskin (Profesora Asociada de IA y Arte en la Universidad de Florida).

En esta sesión se exploró la relación entre la IA y los usuarios con las audiencias y los profesionales de grupos marginados en busca de una equidad.

Amelia Winger-Bearskin comenzó haciendo una breve introducción sobre la IA, destacando que existe una tendencia hacia enmarcarla como una conciencia única que tiene muchas capacidades, pero en realidad hay muchos modelos y softwares que se agrupan en el término de IA. Hablar de ello como si fuera una única conciencia disfraza muchas decisiones individuales que las personas toman en cuanto a cómo y dónde deberían implementarse estas tecnologías.

Continuó comparando las películas con la IA a la que se percibió como magia, pero hay cientos o miles de personas trabajando detrás de ellas. Al igual que en una película nos sorprende, al ver los créditos, la cantidad de gente que trabaja en ella, en la IA sucede lo mismo.

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Seguidamente, comenzó la intervención de Amir Baradaran, fundador y CEO de ABXR Engine. Barandaran destacó que hay que realizar una descolonización de la IA, refiriéndose a que hoy en día se recogen grandes cantidades de datos de nosotros, se procesan y luego se venden. Por tanto, es necesario poder contrarrestar esta naturaleza abusiva y extractiva de la agregación de datos, ya que no sabemos en realidad quien está manejando todos esos datos.

A continuación, comenzó la ponencia de Liz Jung Kim, COO y cofundadora de Stereotype Project. Jung Kim explicó que comenzó su proyecto después de las elecciones de E.E. U.U. de 2016 y pensó cómo podía un país estar tan polarizado, por lo que decidió investigar y descubrió que han sido 400 años de narrativas e historias que la gente ha creado intencionadamente, a través de documentaciones escritas, medios de comunicación, entretenimiento, noticias, etc., para crear percepciones entre ellos con un claro propósito e intención.

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Entonces, se planteó si sería posible deshacer ese trabajo utilizando las tecnologías de hoy en día, así que fundó el proyecto Stereotype Project que consiste en crear una completa base de datos mundial que indexa todos los estereotipos asociados a cada grupo, incluida su historia, su uso contemporáneo y su impacto social. Los datos que se recopilan serán datos científicos e investigaciones que han sido evaluadas con rigor para garantizar que están verificados.

Después, continuó la ponencia Gian Franco Wilson, presidente y cofundador de Stereotype Project. Explicó cómo funcionaba el proyecto a niveles más técnicos. Esta sería una aplicación que utiliza IA para generar puntuaciones SPI (Stereotype Perpetuation Index) para contenidos de noticias, entretenimiento y redes sociales, según su uso de estereotipos. También servirá a la hora de realizar escritos, correos o cualquier documento (te ayudará a crear contenido que no perpetue dichos estereotipos).

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Dream Factory Onwards! Building Worlds and Opportunities With AI

Sábado 17 de febrero de 11.30h a 12.30h

Participaron en este encuentro: Christina Caspers-Roemer (Directora de TRIXTER GmbH, Alemania), Dave Clark (Cineasta y director en Secret Level, Estados Unidos), Simon Weisse (Supervisor de la unidad de Miniatura, The Prop & Model Maker Berlin GmbH, Alemania).

El evento fue moderado por AC Coopens (The Catalysts, Alemania).

En esta sesión, expertos del cine y de las industrias relacionadas, mostraron cómo aprovechar la IA (inteligencia artificial) para crear historias y universos inmersivos. Se exploró la relación entre la IA y la construcción de universos para desbloquear las nuevas formas de narración visual y las oportunidades de crecimiento en la producción.

En su intervención, Coopens dijo que la construcción de universos es muy interdisciplinar y que sin historia es muy difícil entrar en el universo de la IA.

En su turno de palabra, Simon Weisse, consideró que, en paralelo a los desarrollos tecnológicos, estamos volviendo a una forma tradicional de realización de cine: “Aunque utilicemos las nuevas técnicas, los cineastas quieren mezclarlas”.

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Según añadió ello no solamente sucede con cineastas como Wes Anderson, sino que la tendencia de los sets de miniatura para efectos visuales se extiende a la publicidad y a otros sectores audiovisuales. Destacó, sin embargo, la dificultad de encontrar personas jóvenes que se dediquen a ello ya que, por lo general, desean realizar todo por ordenador.

Weisse, que definió su trabajo como muy próximo al diseñador de producción y al director, reconoció también que veía peligrar su posición de trabajo hace veinte años con los efectos visuales CGI pero que aquí seguía en 2024. “Ahora con la IA, tenemos que abrazarla”, concluyó.

Por su parte, Dave Clark, prestó en todo momento atención al storytelling: “Cuando se trata de utilizar herramientas de IA como Midjourney y pronto Sora, muchos están emocionados ante la idea de crear increíbles películas o clips. Tenemos que tomar responsabilidad de la tecnología y asegurarnos de que mostramos el poder de las herramientas de forma ética y responsable en nuestro storytelling”.

Precisamente en relación al lanzamiento de Sora hace escasos días, Clark consideró que “es lo más importante para cualquiera en la industria, tanto del cine como de la publicidad”. Continuó hablando de ello: “Hay mucha emoción al respecto, pero también hay mucho miedo. Esto es la configuración de todo”.

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En su intervención acompañada de presentación, se nombraron algunas de las principales herramientas de IA: Pika, Midjourney, Dalle-E, Comfyui, Stable Diffusion XL, Pinokio AI, Claude AI, Chat GPT 4, Runway, Gemini, Adobe Generative AI, D-ID, Eleven Labs, Hey Gen, InSwapper, Topaz Video AI y Magnific AI.

Clark proviene del cine tradicional. Por esta razón, como él mismo aseguró utiliza Adobe Premiere para editar vídeos. “Debemos pensar en estos nuevos generadores de IA como una nueva cámara de cine ya que en cierta forma eres capaz de capturar tu imaginación desde diferentes ángulos. Puedes decidir cuál será la gradación de color. Estas creando casi una imagen de pre a post de manera inmediata, lo cual es muy interesante", señaló.

Destacó también que la cámara IA puede ver el mundo a través de tus palabras y no es limitada por la física: “Puedes crear realmente cualquier cosa. La imaginación te lleva. Para mí, como storyteller es muy emocionante”, enfatizó.

Volviendo a la centralidad y al elemento troncal de la historia, Clark opinó que no importaba cómo de buena sea la inteligencia artificial en sus avances, pues siempre tendrá que haber una historia en el centro de un concepto y una idea.

Entre los otros beneficios que esta tecnología ofrece, apuntó que ahora muchos ejecutivos en Hollywood podrán ver en un pitch una historia convincente con una visión de la misma más única y diferente.

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A las preguntas de si la IA nos permitirá dar con cosas que nunca esperábamos ver y de si necesitaremos una nueva generación de storytellers, Clark respondió que para él dará muchas nuevas voces de personas que antes no tenían la oportunidad: “Si tienes una buena historia que contar, siempre habrá ahora alguien que la quiera escuchar”. Además, quitó importancia a la posible sobreproducción afirmando que no era tan relevante que hubiese miles de películas extra por esta tecnología, pues el espectador no vería el contenido malo.

Sobre la posible pérdida o ganancia de puestos de trabajo, predijo que posiblemente se perderían algunos en un inicio pero que habría un cambio en el tablero hacía nuevos perfiles profesionales. En este sentido, puso como ejemplo la figura del “productor narrativo” que utilizará la IA como suplemento para crear universos.

Christina Caspers-Roemer aseguró seguir trabajando desde la creatividad humana como base. “Por supuesto, buscamos generar ideas de forma más rápida con las herramientas disponibles, pero al final, nuestros clientes siempre vuelven al mismo punto. Debemos estar muy seguros de la IP”.

En su turno, Caspers-Roemer mencionó que estaban entrenando sus propios modelos mirando hacia el aprendizaje de las máquinas para optimizar ciertos flujos de trabajo. También consideró clave la formación para la no utilización excesiva de estereotipos en la IA (por ejemplo, en la búsqueda de lograr imágenes de archivo con esta tecnología, entre otros).

Finalmente, desde la experiencia, Simon Weisse recordó que a las personas les gusta ver cosas construidas al vivir experiencias relacionadas con el cine como ir a museos de cine. “La parte humana en la creación de historias y universos es vital”, dijo.


AI Journeys: How Producers Will Make the Most of It

Sábado 17 de febrero de 13.30h a 14.30h

Participaron en este encuentro: Vova Ovsiienko (Ejecutivo de desarrollo de negocio en Respeecher Inc., Ucrania) y Jacques Alomo (Director de Innovación en youknow GmbH y fundador en CreamAI).

El evento fue moderado por AC Coopens (The Catalysts, Alemania).

En este encuentro, Vova Ovsiienko de ReSpeecher, ofreció un adelanto de la herramienta de voz del largometraje EDITH, la película biográfica animada generada por IA sobre la célebre cantante y compositora francesa Edith Piaf producida por Seriously Happy y Warner Music Group.

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A continuación, el fundador de CreamAI, Jacques Alomo, guio a los asistentes a través del flujo de trabajo de la IA desde una perspectiva de producción, ilustrando con imágenes personalizadas el impacto de esta nueva tecnología en términos de flexibilidad, roles, activos, propiedad intelectual, tiempo y dinero.

En palabras de Ovsiienko, la voz de Edith tuvo que ser recreada. Contó cómo en un inicio fueron introducidos a Warner Music a través de su colaborador Deezer.

Recordó que cuando se trata de proyectos tan icónicos, se tarda en obtener la aprobación de todas las partes. El principal reto en este proyecto son los datos históricos. Relató como las grabaciones del siglo pasado tenían poca calidad. Muchas tenían un ruido estático. En su empresa no querían que nada pudiera sonar antinatural o robótico. Por esta razón, fueron entrenados en modelos durante tres semanas. Tardaron tres semanas en completar un trailer con la ayuda de la tecnología IA. Cuando tuvieron la pieza, esperaron unas semanas para obtener respuesta de la familia de la fallecida cantante.

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Tenemos la habilidad de dar sonido a quien sea como nativo en cualquier lengua posible en su propia voz. Hacemos la vida más fácil a los productores.”, aseguró Ovsiienko. En su empresa vigilan el timbre de voz y proporcionan la variedad de voces.

A los productores, este avance de IA les proporciona según dijo Ovsiienko más flexibilidad y escalabilidad, así como nuevos enfoques creativos a la creación de contenido. “Cualquier voz de la que tengan grabación, puede hablar de nuevo”, añadió.

Por su parte, Jacques Alomo opinó que gracias a la IA podíamos expandir la idea de una historia y de un universo obteniendo respuestas. Según indicó, puedes preguntar tú mismo a la IA (Perplexity AI, ChatGPT, Gemini y CreamAI) pero también puedes dar tareas a tus agentes IA (Autogen, ChatDev, Multi Agent y Frameworks).

Alomo reconoció que, a fecha de 2024, algo complicado todavía de conseguir es la consistencia de los personajes de IA en múltiples escenas todo el tiempo. Para ello él dijo haber empleado Pure Prompt Engineering. Otras tecnologías para la generación de personajes podrían ser IP Adapter, Photo Maker, Instant ID y AI Training.

Para la mejora de la calidad visual, recomendó Magnific AI (puede mejorar cualquier visual que subas). Recordó también que se pueden usar imágenes de referencia de Internet para generar nuevas imágenes en la misma escena.

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Con respecto a la voz, dijo que con la IA se tenía control pleno de la velocidad, la dinámica, las pausas o la entonación (técnicas text to voice y voice to voice). Eleven Labs sería una herramienta para ello, pero recomienda trabajar con Reespecher. En materia de sincronización de labios, de momento dijo no haber grandes alternativas a Flawless.ai

Para la creación de posters de películas, recomendó emplear ideogram. En su caso, para un proyecto, primero generó los posters en Cream.AI, los hizo más grandes y mejorados con Magnific AI, después empleó Photoshop y lo junto todo.

En cuanto a la generación y optimización de vídeo, indicó que actualmente una de las mejores herramientas es runwayml.com pero que Pika.art y Stablevideo.com estarían cercanas.

Por si fuera poco, dijo que la IA puede analizar una película entera, seleccionar las mejores escenas y generar nuevos trailers basados en datos internos y en perfiles de target (sus propios trailers especializados y específicos).

En la última parte de su intervención, recomendó que empecemos a experimentar con modelos de IA y habló de una de las revoluciones del momento: Sora (inteligencia artificial de OpenAI para generar vídeos).

Demostró que esta aplicación mostraba movimientos de personajes creados por IA mejores que lo que hemos visto hasta ahora. Explicó que este sistema puede generar videos en Full HD (1920 a 1080) con personajes casi reales. Además, puede crear videos de 60 segundos (antes la tecnología permitía 5 a 14 segundos con calidad limitada). Afirmó que Sora realmente empuja las posibilidades de lo que podemos conseguir con videos de IA.

Dicho esto, Alomo concluyó que incluso con Sora, no se llega a una producción tan real, pero aseguró que cada vez está más próxima esa circunstancia: “Todo puede cambiar inmediatamente. Se otorgará la oportunidad a la gente de crear sus propias películas. El mejor contenido ganará, la mejor historia ganará”.


Setting the Stage for a Thriving Ecosystem for European Content

Sábado 17 de febrero de 15.15h a 16.15h

Participaron en este encuentro: Renate Nikolay (Directora General Adjunta de la Dirección General de Comunicaciones, Redes, Contenido y Tecnología en Comisión Europea), Robert Franke (Jefe de Drama en ZDF Studios, Alemania), Tomáš Hrubý (Director en Nutprodukce, República Checa), Matthieu Zeller (Presidente y CEO en Nwave, Bélgica), Daniela Elstner (Directora Ejecutiva en UniFrance, Francia) y Carole Scotta (Fundadora y Presidenta de Haut et Court, Francia).

El evento fue moderado por Sten-Kristian Saluveer (Director, Storytek, Estonia).

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Renate Nikolay inició la sesión describiendo la Berlinale como la casa de la diversidad y la innovación para creadores y profesionales europeos. Recordó que la Comisión Europea realizó el pasado año su contribución a estos tiempos cambiantes con el informe European Media Industry Outlook. En él se reflejan los tiempos duros para el sector audiovisual con cambios en el consumidor, avances en la tecnología y cambios en los modelos de negocio y de financiación. Tras el Festival de Cannes del pasado año, rememoró como la Comisión abrió un diálogo con el sector para atender tres áreas: la de los derechos IP, la de los desarrollos tecnológicos y la de la financiación sostenible para el sector.

350 años sería lo que tardaría un europeo medio en ver todas las películas y series disponibles en las plataformas de streaming en Europa en estos días (sin incluir deportes, noticias, reality shows, videojuegos o contenido de redes sociales).”, apuntó Nikolay.

Continuó: “las películas y las series europeas están desafortunadamente insuficientemente representadas en la actualidad cuando se trata de captar la atención de la audiencia (ya sea en los cines, televisiones o plataformas de streaming). Los europeos solo pasan el 9% de su tiempo de streaming con contenido de otros países europeos, sin embargo, un 59% con películas y series estadounidenses”.

En opinión de Nikolay “tiene que haber un refuerzo para poder ser diverso culturalmente pero también comercialmente viable. La diversidad cultural no debe definirse solamente por el número de películas producidas, sino también por las audiencias diversas. Es solo cuando el contenido alcanza a las personas cuando la diversidad cultural puede ser compartida y reconocida”.

Recordó que alrededor del 90% de las películas europeas se benefician de financiación pública. Hay más demanda de ello y un ecosistema próspero. Sin embargo, según afirmó, los cambios de entorno requieren, robustas y sostenibles inversiones privadas para complementar la financiación pública del sector.

En su intervención mencionó el número de empresas dedicadas a la producción audiovisual en Europa: alrededor de 100.000 compañías (el 99% pequeñas o medianas). También puntualizó que existían nuevos “super indies europeos” en el sector.

Renate Nikolay elogió la labor del programa Europa Creativa MEDIA: “dedica mucho énfasis a la cooperación más allá de las fronteras e industrias en el desarrollo, la financiación, el marketing y distribución. Existe una necesidad de perseguir más proyectos con altos presupuestos que requieran una amplia gama de recursos y talentos. Ello puede ayudar a atraer financiación, encontrar audiencias más allá de sus mercados locales. Necesitamos una real dimensión paneuropea del sector audiovisual”.

En relación al diálogo que mantuvieron con las partes interesadas de la industria audiovisual europea, reveló que hay diversos factores que hacen que una compañía sea atractiva para inversores como un catálogo existente con IP. También aseguró haber escuchado como las capacidades de distribución son también importantes junto con la producción puesto que la distribución es necesaria para llegar a audiencias y generar beneficios. Por esta y otras razones, MEDIA Invest, la herramienta de equity para el sector audiovisual fue muy bien recibida por los inversores privados y los bancos.

Nikolay continuó su intervención de análisis no olvidando en su panorámica indicar que Europa no se encuentra lamentablemente entre los líderes en innovación tecnológica (salvo excepciones contadas). “Necesitamos una agenda común ingeniosa en esta materia”, dijo.

El sector audiovisual es tremendamente importante para la Comisión, tanto para la economía como para la identidad cultural. La colaboración es la receta europea para los progresos largos y duraderos del sector. Necesitamos iniciativas conjuntas que involucren a la Unión Europea, los estados miembros y la industria”, concluyó.

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En su turno, Robert Franke de ZDF analizó que el mercado se encuentra en fase de contracciones al menos desde el punto de vista de la producción de series de televisión (muy diferente a la producción de cine): “Estamos perdiendo algunos compradores grandes que no pueden producir mucho más”.

Nuestra industria sufre de la paradoja de la elección ya que hay mucho contenido”, continuó. Franke añadió a ello que “no competimos solo con el gaming y otras fuentes grabadas en YouTube, TikTok, sino con la vida real de salir fuera, estar con tus amigos etc. Tenemos que preguntarnos si nuestro contenido es lo suficientemente bueno para competir”.

Franke comentó que cuando vendes B2B, vendes a ‘gatekeepers’ que deciden que se verá. Enfatizó que tenemos que preguntarnos cómo crear algo significativo para las personas pues si tienes algo significativo, encuentras tu audiencia.

Por último, concluyó que la distribución se convertirá cada vez más en B2C y menos en B2B a la par que pronóstico también que seguirían existiendo diferentes categorías de productos y que todas ellas funcionarían de diferente forma.

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Carole Scotta compartió que estamos en un momento de espera y cambio en el que “el cine es la nueva televisión”. Dijo creer que la industria del cine y de la televisión son diferentes pero que la bajada de producción de cine de estudio, pero de corte independiente en Estados Unidos deja hueco al cine europeo en ese nicho. “Es importante que sostengamos la producción del cine europeo”, resaltó. “Recuerdo cuando en el confinamiento teníamos menos películas norteamericanas, tuvimos más cintas locales y europeas. Vimos cómo funcionaban y alcanzaban una audiencia. Creo que es importante que demos la oportunidad a estas películas de alcanzar el mercado mediante regulación. Debemos educar a las nuevas audiencias y ello es importante para ayudarnos a resistir las olas”, continuó.

Scotta consideró que estamos en la parte de oferta del negocio y que no podíamos apoyarnos solamente en el algoritmo o en la IA para la selección de contenidos. Añadió que los distribuidores y los festivales de cine tienen que tomar decisiones valientes para dar con títulos que los espectadores quieran ver sin saber antes que los querían ver. “Debemos encontrar diferentes maneras de mostrar las muchas películas que se realizan. No todas las películas tienen que estrenarse con 400 copias en varios territorios” aseguró.

En opinión de Tomáš Hrubý, uno de los desafíos a los que nos enfrentamos en la actualidad es el auge del populismo en regiones como Europa del Este ya que eso determina realmente al final lo que es capaz de producir una empresa. En su turno de palabra recordó el caso de Agnieszka Holland, que dejó durante unos años de realizar películas en Polonia porque consideraba imposible hacerlo. Por ello movió su producción de cine a República Checa.

Hrubý quiso señalar también la falsa impresión que a veces existe de que con suficiente dinero puedes competir con el sistema de Estados Unidos.

Habló además del caso de República Checa, en el que tanto la industria del cine y como la del videojuego partían del mismo punto en 1990: “La diferencia es vasta pues la del videojuego se ha desarrollado mucho más teniendo en República Checa algunas de las empresas desarrolladoras de videojuegos más importantes del mundo”.

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Para Matthieu Zeller, la animación es muy desafiante. “Has de dar luz verde a películas que se estrenarán en tres años y el mundo para aquel entonces habrá cambiado. Tenemos los talentos y tenemos la competitividad porque podemos producir películas a un precio bueno con buena calidad, pero el problema es asumir el riesgo al no saber cómo será el mundo y lo que le gustará a la audiencia en unos años".

Recordó que en Europa se suele trabajar territorio a territorio: “mis películas de animación son distribuidas en un periodo de seis a nueve meses en los diferentes países europeos. Ello dificulta la creación de una marca, de una IP y de conocimiento en Europa”.

Además, afirmó que la obligación de las plataformas de invertir en contenido europeo no importa demasiado si luego esos contenidos no son vistos. “Se trata más bien de tener la correcta visibilidad”, indicó.

Zeller quiso lanzar también un importante mensaje: “debemos pensar en los valores y en el poder de nuestras películas para las nuevas generaciones”.

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Por último, la máxima responsable de UniFrance, Daniela Elstner resaltó en la sesión que el hecho de que tengamos muchas películas europeas es buena noticia.

La diversidad es una oportunidad vista desde países de fuera de Europa”. En su explicación habló también del proyecto de festival de cine europeo My Meta Stories, organizado por UniFrance con apoyo de Europa Creativa MEDIA. Fue defendido por ella misma como una interesante iniciativa que ha logrado la implicación de los jóvenes llegando a través de plataformas como Twitch o TikTok.

“Debemos utilizar sus herramientas para atraer a las nuevas generaciones a la sala de cine o incluso a una plataforma de streaming”.

Elstner valoró muy positivamente la iniciativa de Europa Creativa MEDIA de hacer que los distribuidores de cine de diferentes países sean coordinados por un agente de ventas trabajando conjuntamente en el lanzamiento internacional de una película europea en diferentes países europeos.


Anatomy of a Film: A Deep Dive Across the Value Chain

Sábado 17 de febrero de 17.00h a 18.00h

Participaron en este encuentro: Thomas Robsahm (Productor y director en Amarcord y en Nordisk Film, Dinamarca), Tine Klint (Fundadora y directora de LevelK, Dinamarca), Dennis Zuijdervliet (Director General en In the Air, Países Bajos) y Ása Baldursdóttir (Director de programación en Bíó Paradís, Islandia).

El evento fue moderado por Wendy Mitchell (Periodista en Screen International, Reino Unido).

La financiación, la producción, las ventas internacionales, la distribución y la exhibición de cine tienen que trabajar bien conjuntamente para que una película alcance el verdadero éxito. Esta sesión se adentró en la cadena de valor para examinar el éxito de la película familiar noruega DANCING QUEEN presentada en la pasada edición de la Berlinale 2023. La sesión ofreció una vista de 360º de la película hablando con cada experto sobre su papel en el proceso, su enfoque específico en la película, los desafíos a los que se enfrentaron y las soluciones que encontraron en el camino para hacer de DANCING QUEEN un éxito global que ahora prepara a una secuela.

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Wendy Mitchell comenzó la sesión agradeciendo la suerte de poner tener en un mismo panel a todas las piezas clave que conforman el proceso de crear una película.

Participaron así el productor de la película, Thomas Robsahm, la agente de ventas del filme, Tine Klint, y dos de sus distribuidores Dennis Zuijdervliet y Ása Baldursdóttir.

Thomas comenzó contando cómo se gestó la película. Cuando una de sus hijas tenía doce años le pidió que hiciese una película sobre baile. En esa época ella estaba muy interesada por ese tipo de contenido (HIGH SCHOOL MUSICAL) y junto con su esposa, que es guionista, comenzaron a pensar el proyecto.

Una vez que tuvieron el guion escrito lo enviaron al Norwegian Film Institute para empezar con la búsqueda de financiación. No obtuvieron el apoyo al desarrollo en varias ocasiones, pero a base de perseverar consiguieron un fondo regional combinado con la aportación una nueva distribuidora que participó en la financiación del proyecto y así pudieron comenzar el rodaje de una manera más económica y local. Después de su estreno, continuó contando Thomas, obtuvieron un apoyo estatal noruego que ayudó mucho a la visibilidad de la película.  

Por su parte, la agente de ventas internacionales Tine Klint comentó que participaron en el proyecto desde el comienzo (desde la escritura del guion). Estuvieron presentes en los múltiples rechazos que sufrieron durante el proceso.

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Desde que leyeron el guion les gustó mucho y querían trabajar con él. Esperaron a que Thomas completará la financiación. Colaboraron en el guion y en las ideas de marketing que aplicarían en una fase posterior. Esa colaboración estuvo presente incluso un año antes de que estrenaran la película en Berlín, ya que entonces ya estaban trabajando juntos en ideas y elementos de marketing para aplicar a las redes sociales. También aprovecharon el rodaje de la película para rodar aquellos elementos que se podrían utilizar en posteriores acciones.

La moderadora de la sesión hizo hincapié en la función del agente de ventas como socio durante todo el viaje, no solo cuándo se vende la película que ya está estrenada. Tine añade que es importante tener en el proyecto a un productor que desee trabajar con ellos de esa manera. Cuando resultaron seleccionados para participar en la categoría Generation del Festival de Berlín, la película ya contaba con el apoyo posterior del Norwegian Film Institute, por lo que pudieron organizar una campaña mayor para obtener una mayor visibilidad contratando bailarines para que bailaran por las calles de Berlín publicitando la cinta. Al ser una campaña B2B, los vídeos se difundían en Facebook e Instagram, que era donde estaban los compradores.

Para conseguir que los jóvenes y el público familiar fuera a las proyecciones durante el festival, contactaron con distribuidores de cine familiar quienes vieron el potencial de la película y les apoyaron rápidamente.

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Ahora mismo, contaron que han vendido la película en más de 40 territorios, de los cuales, 25 son para estreno en salas. La mayoría de las ventas se realizaron durante la edición del año pasado del Festival de Berlín.

Continuando con la cadena de valor de la película, el distribuidor Denis Zuijdervliet contó el proceso de compra de la película y su lanzamiento en el festival de cine CineKid.

Denis comentó que la campaña de Tine funcionó perfectamente, ya que cuando llegaron el primer día al festival el año pasado, vieron el poster de la película y les gustó enseguida. Denis destacó el tráiler, que es fantástico. Ese mismo día, visionó los primeros 40 minutos de la cinta y fue suficiente para querer comprar el filme ya que coincide con sus criterios como empresa. Distribuyeron la película en los países del área Benelux. También recordó el éxito de audiencia que les ofreció el estreno en el festival CineKid, ya que la película cubre un rango de audiencia que va desde los seis hasta los doce años. Les ayudó mucho para la promoción de la película, ya que ganaron el premio de la audiencia. Este impulso permitió presentar la cinta a los exhibidores que la recibieron con gran entusiasmo y permitió hacer grandes cosas en la promoción. Estrenaron la película justo después de su presencia en CineKid para aprovechar la visibilidad conseguida y estrenaron la película doblada en unas 30 o 35 salas.

Recibieron el apoyo del Norwegian Film Institute y posteriormente también el apoyo del Europa Creativa MEDIA en su línea de Films on the Move para su distribución transnacional.

Por último, Ása Baldursdóttir (exhibidora y distribuidora en Islandia) también coordinó la programación de los festivales en su país. Seleccionó la película para participar en el RIFF Children’s Film Festival. Ása contó cómo tuvo grandes dudas en si doblar o no la película, por hacerla más fácil para el público infantil. Islandia no cuenta con ningún fondo para el doblaje, por esta razón decidieron no doblarla. En el estreno contaron con bailarines de la escuela islandesa de baile y obtuvieron una gran cobertura en los medios locales.

La agente de ventas, Tine consideró la película como un éxito, a pesar de que en algunos países con poca tradición para las versiones originales les haya costado vender la película. Afirmó esperar que mejoraría el éxito conseguido con la secuela.

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Ante la pregunta de la moderadora de si la cinta irá a Hollywood, el productor respondió que la película está concebida como una trilogía por parte de la autora. Ahora están buscando financiación para realizar la segunda parte e incluso ya tienen preventas de esa segunda parte.

Como conclusión, Tine añadió que tener a bordo de un proyecto, desde la fase previa a la producción, al agente de ventas internacionales para poder coordinar todos los materiales y participar en el proceso, ayuda a las posteriores ventas del producto, lo economiza y aporta una visión muy enriquecedora.

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